Copyright © 2023. This site and its content was designed by Natalia Kokosi. All Rights Reserved.
Το παρόν άρθρο συγκεντρώνει και παρουσιάζει τους βασικούς σταθμούς στην ιστορία και την εξέλιξη των κινουμένων σχεδίων. Το ερευνητικό αυτό ταξίδι αρχίζει με τις κινούμενες εικόνες της προϊστορίας και τελειώνει με την επικαιρότητα.
Σκοπός της έρευνας αυτής είναι μια συγκεντρωτική και βασική ανασκόπηση της ιστορίας της κινούμενης εικόνας και η παρουσίαση αυτής με τρόπο τέτοιο ώστε, η ιστορική αυτή ανασκόπηση να είναι προσιτή σε όλους.
Οι ταινίες κινουμένων σχεδίων είναι εκείνες στις οποίες μεμονωμένα σχέδια, πίνακες ή εικονογραφήσεις φωτογραφίζονται καρέ-καρέ (κινηματογραφική φωτογραφία-stop-frame). Συνήθως, κάθε πλαίσιο διαφέρει ελαφρώς από αυτό που προηγείται, δίνοντας την ψευδαίσθηση της κίνησης όταν τα πλαίσια προβάλλονται με ταχεία διαδοχή στα 24 καρέ ανά δευτερόλεπτο.
Η παλαιότερη κινηματογραφική ταινία αποτελούταν από καρέ, καρέ, χειροποίητες εικόνες. Όταν συνδυάστηκε με την κίνηση, η δισδιάστατη στατική τέχνη του εικονογράφου ζωντάνεψε και δημιούργησε καθαρές και ευφάνταστες κινηματογραφικές εικόνες. Ζώα και άλλα άψυχα αντικείμενα θα μπορούσαν να γίνουν καλοί και κακοί ήρωες.
Τα κινούμενα σχέδια δεν είναι μια αυστηρά καθορισμένη κατηγορία είδους, αλλά μάλλον μια τεχνική δημιουργίας ταινιών, αν και συχνά αυτή η πληροφορία συγχέεται ή και αγνοείται. Τα κινούμενα σχέδια, τα παραμύθια και οι ταινίες stop-motion συχνά προσελκύουν τα παιδιά, αλλά αυτό το γεγονός δεν υποδηλώνει τίποτα, ούτε θέτει περιορισμούς όσον αφορά τις ηλικιακές ομάδες στις οποίες μπορούν να απευθυνθούν τα κινούμενα σχέδια.
Εκτός αυτού, πολλά είναι τα κινούμενα σχέδια τα οποία προορίζονται για την ψυχαγωγία ενηλίκων και όχι μόνο: μπορούν επίσης να αναλάβουν διάφορους άλλους σκοπούς όπως για παράδειγμα την εικονική χαρτογράφηση μιας δυσνόητης πληροφορίας λεκτικής-γραπτής μορφής, με απώτερο στόχο την διευκόλυνση εκμάθησης διάφορων αντικειμένων.
Ο άνθρωπος, από την παλαιολιθική εποχή προσπαθούσε να φανταστεί τρόπους με τους οποίους θα κατάφερνε να χαρίσει κίνηση στις εικόνες που ζωγράφιζε σε σπήλαια (βραχογραφίες). Πράγματι, επιχείρησαν αξιόλογα να δώσουν την εντύπωση της κίνησης, και αυτό το γνωρίζουμε καθώς ανακαλύπτουμε βραχογραφίες όπως για παράδειγμα ένα αγριογούρουνο με 8 πόδια ζωγραφισμένο στον τοίχο. Το αγριογούρουνο αυτό, όταν φωτίζονταν από το φως της φωτιάς, έμοιαζε πράγματι να τρέχει.
Από τότε, λοιπόν, στην ιστορία της ανθρωπότητας υπάρχουν πολλά δείγματα, όπου γίνεται η απόπειρα απόδοσης της κίνησης. Στην αρχαία Αίγυπτο βλέπουμε το ναό της Ίσιδας, θεάς του ήλιου, να έχει σε κάθε κολώνα ζωγραφισμένη τη θεά σε κάποιο διαφορετικό στάδιο μίας κίνησης. Έτσι, όπως προχωρούσαν οι καβαλάρηδες στην έρημο, έβλεπαν από μακριά τη θεά Ίσιδα να χορεύει.
Σε αρχαίο ελληνικό βάζο ένας δρομέας έμοιαζε να τρέχει, όταν στην περιφέρεια του είναι πολλές φορές ζωγραφισμένος, κάθε φορά σε ένα διαφορετικό στάδιο της κίνησής του.
Κάπως έτσι γεννήθηκαν οι κινούμενες εικόνες, αν και -τεχνικά- όλες αυτές οι απόπειρες δεν ήταν παρά κάποια κόλπα μέσω τον οποίων επιτυγχανόταν η παραπλάνηση της ανθρώπινης λογικής. Με λίγα λόγια, δεν ήταν η πραγματική γέννηση των κινούμενων εικόνων, αλλά η γέννηση των σκόπιμων ψευδαισθήσεων.
Στην γέννηση της πραγματικής κινούμενης εικόνας, συνέβαλε σημαντικά η εφεύρεση μιας συσκευής προβολής, γνωστή ως πραξινοσκόπιο.
Το 1833, ο Αυστριακός Simon Stampher και ο Βέλγος Joseph Plateau είχαν ταυτόχρονα την ιδέα να σχεδιάσουν μια σειρά παραστάσεων που να δείχνουν τις διαδοχικές φάσεις μιας πράξης γύρω από μια περιφέρεια ενός δίσκου.
Όταν ο δίσκος περιστρεφόταν μπροστά από ένα καθρέφτη με τις παραστάσεις να εκτίθενται σε διαλείμματα μέσα από τις εγκοπές στην άκρη του δίσκου, οι παραστάσεις έδειχναν να συγχωνεύονται, δίνοντας την εντύπωση της κίνησης.
Το 1834 ήρθε η εξέλιξη με το “στροβοσκόπιο” του Stampher, το “φρενακιστισκόπιο” του Plateau, όπως επίσης και με το “ζωοτρόπιο”.
Το 1877 ήρθε το αποκορύφωμα με το “πραξινοσκόπιο” του Emile Reynaud, στο οποίο οι παραστάσεις ήταν θεατές όχι μέσα από σχισμές, αλλά σε ένα περιστροφικό πρίσμα από καθρέφτες.
Αυτός λοιπόν ο Γάλλος επιστήμονας Charles-Emile Reynaud, έγινε γνωστός ως ο πρώτος γελοιογράφος της ταινίας. Είχε δημιουργήσει ένα σύστημα μεγάλης κλίμακας που ονομάζεται Theatre Optique (1888), γνωστό και ως “οπτικό θέατρο” που θα μπορούσε να τραβήξει μια ταινία ή εικόνες και να τις προβάλει σε μια οθόνη.
Επίδειξε το σύστημά του το 1892 για τη Μούσα Γκρίβιν του Παρισιού και ήταν η πρώτη εμφάνιση προβαλλόμενων ταινιών κινουμένων σχεδίων. Ολόκληρη η παράσταση αποτελούταν από τρεις ταινίες μικρού μήκους, η καθεμία περίπου 10-15 λεπτά σε μήκος, και ονομάστηκε Pantomimes Lumineuses (Φωτεινές Παντομίμες). Ο ίδιος ο εφευρέτης κινούσε ρυθμικά τις ταινίες που περιείχαν τη σειρά των σχεδίων και το σύστημα των φακών προέβαλλε τα σχέδια σε μια λευκή οθόνη.
Για να δημιουργήσουν τότε κινούμενα σχέδια και να τα προβάλλουν μέσω του περίφημου πραξινοσκόπιου, δημιουργούσαν εικόνες που ήταν μεμονωμένα ζωγραφισμένες απευθείας στα πλαίσια μιας εύκαμπτης λωρίδας από διαφανή ζελατίνη (με διάτρητες μεμβράνες στις άκρες) για να μπορέσουν να τις διατρέξουν στο σύστημα προβολής. Ανάλογα με την κάθε οπτική γωνία, κάποιοι θεωρούν τον Pauvre Pierrot την παλαιότερη ταινία κινουμένων σχεδίων, μια ταινία διάρκειας 15 λεπτών που κατάφερε να επιβιώσει και να μεταδοθεί δημόσια.
Όσες ταινίες κινουμένων σχεδίων δημιουργήθηκαν εκείνη την -πρώιμη αν θα θέλαμε να την χαρακτηρίσουμε- περίοδο, βασιζόντουσαν αποκλειστικά σε κόμικς εφημερίδων της δεκαετίας του 1890, στις οποίες κάθε “frame” ήταν παρόμοιο με ένα πλαίσιο-καρέ ταινιών. Μερικές από τις πρώτες ταινίες κινουμένων σχεδίων χρησιμοποίησαν πολύ πρωτόγονες τεχνικές στάσης-κίνησης (γνωστές ως «stop-motion» ή «substitice splice»), κατά τις οποίες γινόταν μικρή αλλαγή της θέσης ενός αντικείμενο μεταξύ δύο λήψεων. Αυτή η πρώιμη τεχνική ορίστηκε αντικατάσταση στάσης-κίνησης ή στάση-δράση.
Πρωτοπόροι εμψυχωτές, σκηνοθέτες και σκηνοθέτες θεωρήθηκαν ο Albert E. Smith και ο γελοιογράφος εφημερίδας James Stuart Blackton, και οι δύο συνιδρυτές της Vitagraph Company. Μαζί δημιούργησαν το «The Humpty Dumpty Circus» (1898), μια υποτιθέμενη χαμένη ταινία. Αυτό το κινούμενο σχέδιο από το στούντιο Vitagraph, χαρακτήρισε ο Γκίνες ως «η πρώτη ταινία κινουμένων σχεδίων που χρησιμοποιεί την τεχνική στάσης-κίνησης (stop-motion) για να δώσει την ψευδαίσθηση της κίνησης σε άψυχα αντικείμενα».
Ο γελοιογράφος J. Stuart Blackton δημιούργησε επίσης τη ζωντανή δράση «The Enchanted Drawing» (1900), μια ταινία μικρού μήκους των Vitagraph Studios που απεικόνιζε έναν χαρακτήρα και ορισμένα αντικείμενα.
Σε μια από τις πρώτες εξελίξεις των πρωτόγνωρων κινουμένων σχεδίων, ο Blackton δημιούργησε ακόμα μια μικρής διάρκειας ταινία, η οποία έδειχνε έναν καλλιτέχνη με κιμωλία (ο ίδιος ο Blackton) να χρησιμοποιεί ένα μεγάλο καβαλέτο στο οποίο σχεδίαζει ένα στρογγυλό πρόσωπο, γελοιογραφία ενός ηλικιωμένου άνδρα.
Στη συνέχεια σκιαγραφεί ένα μπουκάλι κρασί και ένα γυάλινο κύπελλο στην επάνω δεξιά γωνία της σελίδας και στη συνέχεια αφαιρεί τα δύο αντικείμενα από το χαρτί των σκίτσων του, κρατώντας τα ως πραγματικά 3-D αντικείμενα και ρίχνοντας στον εαυτό του ένα ποτήρι κρασί. Το ίδιο έκανε με το καπέλο και το πούρο του άνδρα. Στο τέλος της σύντομης ταινίας τα αντικείμενα επιστρέφουν στις αρχικές τους θέσεις.
Ιστορικά και τεχνικά, η πρώτη ταινία κινουμένων σχεδίων, με άλλα λόγια, η παλαιότερη ταινία κινουμένων σχεδίων που δημοσιοποιήθηκε ποτέ σαν “τυποποιημένη” ταινία κινηματογράφου ήταν το «Humorous Phases of Funny Faces» (1906), που έγινε επίσης από τον J. Stuart Blackton.
Ήταν το πιο πρώιμο παράδειγμα μιας ταινίας κινουμένων σχεδίων. Ήταν το πρώτο κινούμενο σχέδιο που χρησιμοποίησε τη μέθοδο ενός καρέ και προβάλλεται στα 20 καρέ ανά δευτερόλεπτο. Στην ταινία, τα γραμμικά σχέδια δύο προσώπων κινούνται, ή ζωντανεύουν, σε έναν πίνακα. Τα δύο πρόσωπα χαμογελούν και κλείνουν το μάτι, και το αντρικό πρόσωπο καπνίζει πούρα και φυσάει καπνό στο πρόσωπο του γυναικείου προσώπου. Επίσης, ένας κλόουν τσίρκου οδηγεί ένα μικρό σκυλί να πηδήξει μέσα από μια στεφάνη.
Ακολούθησε σύντομα η πρώτη πλήρως κινούμενη ταινία (χωρίς ζωντανή δράση), το «Fantasmagorie» του Emile Cohl (1908), ο οποίος χρησιμοποίησε παραδοσιακές τεχνικές κινουμένων σχεδίων. Η μικρού μήκους ταινία αποτελείται αποκλειστικά από απλά γραμμικά σχέδια που αναμιγνύονται, μετασχηματίζονται ή μεταμορφώνονται ρευστά από τη μία εικόνα στην άλλη.
Ο πρώτος χαρακτήρας κινουμένων σχεδίων (ανθρωπόμορφος) που κατέληξε να είναι “σούπερ σταρ” κατά τη διάρκεια της “σιωπηλής εποχής”, ήταν ο άτακτος «Felix the Cat», που γεννήθηκε στα στούντιο του Pat Sullivan, του σχεδιαστή του συμπαθητικού χαρακτήρα.
Ο Φελίξ ήταν το πρώτο μοναδικό και πρωτότυπο κινούμενο αστέρι που δημιουργήθηκε ειδικά για την οθόνη – δεν προήλθε από τα κόμικς ή κάποια άλλη πηγή, αν και διατηρούσε αξιοσημείωτες ομοιότητες με το “Little Tramp” του Τσάρλι Τσάπλιν.
Ο Felix ξεκίνησε στο στούντιο του Pat Sullivan (ο Sullivan πήρε όλη την πίστωση), αλλά σχεδιάστηκε από τον νεαρό animator Otto Messmer. Για τα πρώτα χρόνια από το 1919 έως το 1921, τα κινούμενα σχέδια Felix (25 από αυτά) δημοσιεύθηκαν ως ταινίες μικρούς μήκους από την Paramount Pictures και στη συνέχεια από την Margaret J. Winkler (64 ταινίες από το 1922-1925), την πρώτη γυναίκα που παρήγαγε και δημοσίευσε κινούμενα σχέδια.
Από το 1925 έως το 1928 (συνολικά 78 κινούμενα σχέδια), η δημοσίευση έγινε από την Educational Pictures, μια εταιρεία διανομής ταινιών, και στη συνέχεια η First National Pictures ανέλαβε τη δημοσίευση από το 1928-1929.
Είναι δύσκολο να καθοριστεί αποφασιστικά το πρώτο έγχρωμο κινούμενο σχέδιο, καθώς τα περισσότερα από τα κορυφαίους υποψηφία είναι χαμένες ταινίες.
Ορισμένες πηγές ισχυρίζονται ότι το «Natural Color Kinematograph Company’s In Gollywog Land» (1912), μια χαμένη ταινία, ήταν η πρώτη έγχρωμη κινούμενη εικόνα, η οποία δημιουργήθηκε με την χρήση της μεθόδου «Kinemacolor» (μια δίχρωμη διαδικασία). Ήταν ουσιαστικά μια ταινία ζωντανής δράσης με κινούμενες ταινίες.
Το ντεμπούτο του Thomas Cat (1920), γνωστό και ως το ντεμπούτο του Thomas Katt του παραγωγού John Randolph Bray’s είναι μαζικώς αναγνωρισμένο ως το πρώτο έγχρωμο κινούμενο σχέδιο που κατασκευάστηκε στις ΗΠΑ με την χρήση της ακριβής διαδικασίας «Brewster Natural Color» (αφαιρετική διαδικασία χρώματος γαλακτώματος), ένας ανεπιτυχής πρόδρομος της Technicolor.
Ήταν το πρώτο σύντομο κινούμενο σχέδιο που έγινε πραγματικά με χρώμα και πιο συγκεκριμένα με έγχρωμη μεμβράνη. Τα σχέδια έγιναν σε διαφανή κυτταροειδές, βάφτηκαν στην πίσω πλευρά και στη συνέχεια φωτογραφήθηκαν με δίχρωμη κάμερα.
Το Fiddlesticks (1930) του πρώην animator της MGM και της Disney, Ub Iwerks, ήταν η πρώτη ταινία κινουμένων σχεδίων που κυκλοφόρησε χρησιμοποιώντας τη διαδικασία Technicolor δύο μεμβρανών. Ήταν το πρώτο πλήρες κινούμενο σχέδιο που συνδυάζει χρώμα και συγχρονισμένο ήχο και γενικά, ήταν ιδιαίτερα πρωτοπόρο για την εποχή του.
Ένας κλασικός εμψυχωτής ο οποίος έδωσε το στίγμα του στην πορεία των κινουμένων σχεδίων από τις πρώτες μέρες κιόλας του κινηματογράφου ήταν ο Walt Disney, ο οποίος ξεκίνησε ως γελοιογράφος διαφήμισης στην Kansas City Film Ad Company.
Εκείνος ήταν ο πρώτος που πειραματίστηκε με το συνδυασμό ταινιών κινουμένων σχεδίων και ζωντανών δράσεων. Οι πρώτες ταινίες έγιναν από αυτόν (και άλλους εμψυχωτές) στο δικό του στούντιο κινουμένων σχεδίων στο Κάνσας Σίτι (Μιζούρι), γνωστό ως Laugh-O-Gram Studios.
Μεταξύ των υπαλλήλων του υπήρξαν αρκετοί πρωτοπόροι του animation: Ub Iwerks, Hugh Harman, Rudolf Ising, Carmen Maxwell και Friz Freleng. Δημιούργησαν μικτού μήκους κινούμενα σχέδια (ζωντανή δράση με κάποια κινούμενα σχέδια).
Το Little Red Riding Hood (1922) θεωρείται το πρώτο “πραγματικό” κινούμενο σχέδιο του Walt Disney, ακολουθούμενο από τους The Four Musicians of Bremen (1922) . Τα κινούμενα σχέδια προβλήθηκαν στα Newman Theatres του Κάνσας Σίτι. Υπήρχαν επτά αυθεντικά παραμύθια Laugh-O-Grams το 1922, τα οποία έχουν διασωθεί.
Ενώ βρισκόταν ακόμη στα αποτυχημένα Laugh-O-Gram Studios, το προσωπικό της Disney έκανε την πρώτη Alice Comedy, μια σειρά μικρού μήκους κινουμένων σχεδίων με τίτλο Alice’s Wonderland (1923). Τα κινούμενα σχέδια της Disney Alice παρουσίαζαν τον κεντρικό χαρακτήρα (την Alice) σε έναν κόσμο κινουμένων σχεδίων της Χώρα των Θαυμάτων.
Παρά τις επιτυχίες του, ο Ντίσνεϊ εργαζόταν στα Laugh-O-Gram Studios για 40 δολάρια την εβδομάδα, ένα ποσό με το οποίο δεν μπορούσε να βιοποριστεί. Το 1923 μετακόμισε στην Καλιφόρνια κι έστησε το δικό του στούντιο σ’ ένα εγκαταλελειμμένο γκαράζ.
Στο ταπεινό αυτό μέρος γεννήθηκε από τη γραφίδα του ο Μίκυ Μάους, η διασημότερη ίσως φιγούρα στην ιστορία των κινουμένων σχεδίων, αλλά και ο Πλούτο, ο Ντόναλντ, ο Γκούφι και πολλοί άλλοι «χάρτινοι» ήρωες, που τέρπουν και θέλγουν ακόμη και σήμερα εκατομμύρια παιδιά σε ολόκληρο τον κόσμο.
Το πρώτο κινούμενο σχέδιο του Mickey Mouse που κυκλοφόρησε (ως δοκιμαστική δοκιμαστική προβολή μόνο, στις 15 Μαΐου 1928) ήταν το Plane Crazy (1928), στο οποίο ο Mickey (χωρίς τα γνωστά παπούτσια ή τα γάντια του πασίγνωστου χαρακτήρα), προσπαθούσε να εντυπωσιάσει την Minnie, μιμούμενος τον αεροπόρο Charles Lindbergh.
Το δεύτερο ήταν το Steamboat Willie (1928) (κυκλοφόρησε για πρώτη φορά ως σιωπηλή ταινία σε περιορισμένη βάση στις 29 Ιουλίου 1928), με τον Mickey ως καπετάνιο στο ατμόπλοιο του ποταμού Pegleg Pete, και πάλι χωρίς τα λευκά γάντια του εμπορικού σήματος.
Το τρίτο ήταν το The Gallopin ‘Gaucho (1928) σε μια σιωπηλή έκδοση που ολοκληρώθηκε στις 2 Αυγούστου 1928 (αλλά δεν κυκλοφόρησε παρά μετά το Steamboat Willie). Και το τέταρτο ήταν το The Barn Dance (1929), κυκλοφόρησε για πρώτη φορά στις 14 Μαρτίου 1929.
Ταυτόχρονα, σοβαροί αντίπαλοι του Disney στην παραγωγή κινουμένων σχεδίων φάνηκαν να είναι τα αδέρφια Fleischers (Max, Dave, Joe και Lou), οι οποίοι έκαναν τεχνικές καινοτομίες που θα έφερναν επανάσταση στην τέχνη του animation.
Το 1915, ο Max Fleischer εφευρέθηκε το rotoscope, το οποίο κατοχυρώθηκε με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας το 1917, για να εξορθολογήσει τη διαδικασία αντιγραφής καρέ-καρέ. Ουσιαστικά, το rotoscope ήταν μια συσκευή που χρησιμοποιήθηκε για την επικάλυψη σχεδίων σε ταινία ζωντανής δράσης.
Οι Fleischers πρωτοστάτησαν επίσης στη χρήση τρισδιάστατων τοπίων κινουμένων σχεδίων και παρήγαγαν δύο εκδόσεις του The Einstein Theory of Relativity (1923), ένα σύντομο ντοκιμαντέρ 20 λεπτών και μια εκπαιδευτική έκδοση διάρκειας 50 λεπτών, ταινία η οποία συχνά χαρακτηρίζεται ως η πρώτη κινούμενη εικόνα μεγάλου μήκους ντοκιμαντέρ.
Μια ακόμη ταινία-ντοκιμαντέρ των Fleischer, που δημοσιεύτηκε την ίδια χρονιά, ήταν η Evolution (1923), γνωστή και ως θεωρία της εξέλιξης του Δαρβίνου.
Το πιο γνωστό και επιτυχημένο έργο των Fleischers ήταν ο σκληρός, μονόφθαλμος, ναύτης Popeye με τα μεγάλα μπράτσα, που παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στα μέσα Ιανουαρίου του 1929 στο κόμικ της εφημερίδας “Thimble Theatre” του δημιουργού Elzie C. Segar.
Ο Popeye έγινε τόσο δημοφιλής με την δημοσίευση της κωμικής ταινία που μετονομάστηκε σε “Thimble Theatre, με πρωταγωνιστή τον Popeye. Το 1933, ο Max Fleischer προσάρμοσε τους χαρακτήρες Thimble Theatre σε μια σειρά μικρού μήκους κινουμένων σχεδίων με τίτλο «Popeye the Sailor» για το Paramount Pictures.
Ο Popeye εμφανίστηκε για πρώτη φορά τον Ιούλιο του 1933 στη σειρά Fleischers ‘Betty Boop Cartoon με τίτλο Popeye the Sailor (1933), κατά την διάρκεια της οποίας χόρευε χούλα με την Betty Boop. Η φωνή του Popeye δόθηκε από τον William Costello (γνωστότερο ως Red Pepper Sam) από το 1933-35.
Μετά την απόλυση του Costello, ο Jack Mercer, ο οποίος ξεκίνησε την καριέρα του ως καλλιτέχνης στο στούντιο κινουμένων σχεδίων, παρείχε τη φωνή του Popeye και τις αστείες μεταλλαγές της για τους Fleischers έως το 1957 και συμμετείχε χαρίζοντας διάφορες φωνές και σε δύο ακόμα κινούμενα σχέδια μεγάλου μήκους των Fleischer.
Την ίδια χρονιά, τον Σεπτέμβριο, κυκλοφόρησε το πρώτο επίσημο κόμικ του Popeye, I Yam What I Yam (1933). Ήταν το πρώτο που θα γινόταν κινούμενη εικόνα σε μια μακρά σειρά κινούμενων σχέδιων μικρού μήκους.
Η πρώτη γελοιογραφία του Popeye Technicolor ήταν η ειδική κυκλοφορία της ταινίας «Popeye the Sailor Meets Sindbad the Sailor» (1936), που φημίζεται για τα πειραματικά τρισδιάστατα υπόβαθρα πολλαπλών επιπέδων.
Εκείνη η ταινία έγινε το πρώτο κινούμενο σχέδιο Fleischer που διορίστηκε για Όσκαρ καλύτερου κινουμένου σχεδίου μικρού μήκους. Ο χαρακτήρας κινουμένων σχεδίων έγινε γνωστός και για το τραγούδι του, το οποίο είναι πολύ χαρακτηριστικό ακόμα και σήμερα.
Ο Dave και ο Max Fleischer, σε συμφωνία με την Paramount και την DC Comics, παρήγαγαν επίσης μια σειρά από δεκαεπτά ακριβά κινούμενα σχέδια Superman, στις αρχές της δεκαετίας του 1940. Οι ταινίες με υψηλό προϋπολογισμό ήταν 100.000 $ ένα επεισόδιο, περίπου τέσσερις φορές τη μέση τιμή των συγκριτικών κινούμενων σχεδίων.
Οι Fleischers ήταν υπεύθυνοι για τα πρώτα δέκα κινούμενα σχέδια Superman (μέχρι Japoteurs (1942), με τα υπόλοιπα της σειράς να παράγονται από τα Famous Studios του Paramount κατά τη διάρκεια του 1942-43.
Κατά το πρώτο δεκάλεπτο του πρώτου επεισοδίου, ο Σούπερμαν, που έκανε πρεμιέρα το 1941, εισήγαγε πρώτη φορά επιφωνήματα και σχόλια από αφηγητή, και συγκεκριμένα, ο αφηγητής είχε αναφέρει: «ταχύτερος και από μια ταχεία σφαίρα, πιο ισχυρός και από μια ατμομηχανή, ικανός να πηδήξει ψηλά κτίρια με ένα μόνο άλμα!»
Η πρωτοτυπία αυτή, χάρισε στη σειρά αυτή του υπερήρωα την ευκαιρία να προταθεί για το βραβείο της Ακαδημίας για το Καλύτερο Κινούμενο Θέμα, αλλά έχασε από το Disney’s Lend a Paw (1941).
Ξεκινώντας τη δεκαετία του 1930, πριν από τις ταινίες μεγάλου μήκους προηγήθηκαν υποχρεωτικά κινούμενα σχέδια μικρού μήκους. Ενώ εργαζόταν για την ανάπτυξη των μικρού μήκους ταινιών Mickey Mouse, ο Disney ξεκίνησε επίσης μια νέα επιχείρηση – που ονόμασε Silly Symphonies – μια φιλόδοξη, πρωτοποριακή και πρωτότυπη σειρά αυτόνομων κινούμενων σχεδίων με μουσική συνοδεία.
Χρησιμοποίησε τη σειρά των 75 μικρού μήκους κινουμένων σχεδίων, που διήρκησαν συνολικά 10 χρόνια από το 1929 έως το 1939, για να πειραματιστεί με διαφορετικές διαδικασίες, τεχνικές, χαρακτήρες, ιστορίες και τεχνολογίες που ήθελε να χρησιμοποιήσει αργότερα στα κινούμενα σχέδια μεγάλου μήκους.
Κέρδισαν συνολικά επτά βραβεία Ακαδημίας για το Καλύτερο Κινούμενο Μικρό Θέμα. Το προτζεκτ αυτό, επιχείρησαν να το μιμηθούν αρκετές άλλες εταιρίες κινουμένων σχεδίων, με τρανταχτό παράδειγμα τη σειρά «Merrie Melodies» της Warner Bros.
Ο χαρακτήρας κινουμένων σχεδίων Πλούτο παρουσιάστηκε για πρώτη φορά (χωρίς όνομα) το 1930 στο κινούμενο σχέδιο Mickey Mouse The Chain Gang (1930) και ονομάστηκε Rover (σκύλος τη Minnie Mouse) στο The Picnic (1930). Χρειάστηκε ακόμα μία σύντομη ταινία Mickey Mouse, το The Moose Hunt (1931), πριν αποκτήσει το γνωστό του όνομα.
Η γελοιογραφία του, το 1931 ήταν διάσημη γιατί είχε τη μοναδική γραμμή διαλόγου του Πλούτο στον Μίκυ: “Kiss.”
Τελικά, το Lend a Paw (1941), με τον Πλούτο στον πρωταγωνιστικό ρόλο, κέρδισε ένα Όσκαρ για το Καλύτερο Κινούμενο Θέμα.
Ο Goofy έκανε το ντεμπούτο του ως έξτρα στο Mickey’s Revue (1932).
Ο Ντόναλντ Ντακ που ταιριάζει με τον ναύτη παρουσιάστηκε το 1934 στο Silly Symphony’s: The Wise Little Hen (1934) και μετά μέσα στο «Orphan’s Benefit» (1934). Αυτό το κινούμενο σχέδιο σηματοδότησε επίσης την πρώτη εμφάνιση του Ντόναλντ σε κινούμενα σχέδια του Μίκυ Μάους, με τον Γκόφυ, γιατί σε αυτή την ταινία εμφανίστηκαν και οι τρεις χαρακτήρες μαζί.
Ο Mickey Mouse και η Minnie Mouse εμφανίστηκαν για πρώτη φορά μαζί, στο ντεμπούτο τους: Steamboat Willie (1928), αλλά το επίσημο ντεμπούτο του Mickey ήταν στο The Band Concert (1935) (έγχρωμο).
Η γυναίκα σύντροφος του Ντόναλντ, η Ντέιζη, της οποίας η πρώτη ονομασία ήταν “Ντόνα Ντακ”, εισήχθη στο Don Donald (1937) και έκανε την πρώτη της επίσημη εμφάνιση, μιλώντας σαν τον Ντόναλντ, στο Mr. Duck Steps Out (1940).
Ο παραγωγός των κινούμενων σχεδίων της Warner Brothers, Leon Schlesinger (από το 1930-1944) κυκλοφόρησε μια ταινία 5 λεπτών με το όνομα «Bosko: The TalkInk Kid» (1929), η οποία ήταν η πρώτη συγχρονισμένη ταινία κινουμένων σχεδίων μικρού μήκους, με ένα μικρό μαύρο αγόρι σαν κεντρικό χαρακτήρα, που ονομάζεται Bosko.
Ο Bosko σχεδιάστηκε από δύο πρώην animators της Disney – τον Hugh Harman (1903-1982) και τον Rudolf Ising (1903-1992), οι οποίοι μαζί με τον animator Friz Freleng, παρήγαγαν και σκηνοθέτησαν τα πρώτα κινούμενα σχέδια για την Warner Bros. Ο νέος αυτός χαρακτήρας έμοιαζε ελαφρώς με τον σημαντικότερο ανταγωνιστή του εκείνη την εποχή – τον Mickey Mouse της Disney.
Για την γενική πλοκή της ιστορίας, ο Ρούντολφ Ίσινγκ, κάθισε στο σχέδιό του και σκιαγράφησε τον χαρακτήρα του Μπόσκο, ο οποίος ήταν ένα αφροαμερικάνικο αγόρι.
Στο τέλος της γελοιογραφίας, λίγο πριν ο Μπόσκο επιστρέψει στο μελανοδοχείο του σχεδιαστή του, είπε, ” Well, so long, folks! See yah all later! “, η προέλευση του αργότερα διάσημου “That’s all, folks!”. Ο Bosko ήταν η ώθηση για τη γέννηση των πασίγνωστων Looney Tunes.
Η πρώτη εμφάνιση των «Looney Tunes» ήταν με τη μορφή της ασπρόμαυρης κωμωδίας «Sinkin in the Bathtub» (1930), που κυκλοφόρησε στις 30 Μαΐου 1930. Εμφανίστηκε ξανά ο Bosko στον πρωταγωνιστικό ρόλο, και συμπεριέλαβε επίσης το τραγούδι που αργότερα διαδόθηκε από τον Tiny Tim: ” Tiptoe Through the Tulips “.
Εκείνο, σημειώθηκε ως το πρώτο κινούμενο σχέδιο, εκτός αυτών της Disney, με ένα προ-ηχογραφημένο soundtrack (όπως το Plane Crazy), με συγχρονισμένη ομιλία και χορό. Δυστυχώς, ο χαρακτήρας του Μπόσκο κατηγορήθηκε ότι συμβάλλει στην διάδοση και την συντήρηση διάφορων στερεοτύπων. Ο Μπόσκο τελείωσε την ταινία του με την ξακουστή φράση: “That’s all, folks!”.
Τελικά, ο Bosko ήταν το αστέρι σε πάνω από τρεις δωδεκάδες μικρού μήκους κινουμένων σχεδίων Looney Tunes που κυκλοφόρησαν από την Warner Bros. από το 1930-1933. Το τελευταίο του κινούμενο σχέδιο Looney Tunes WB ήταν το «Bosko’s Picture Show» (1933), η πρώτη ταινία που στοχεύει τον Χίτλερ.
Ξεκινώντας το 1935, οι Warner Brothers προσέλαβαν έναν νέο, τρίτο σκηνοθέτη κινούμενων σχεδίων πλήρους απασχόλησης, τον Fred ‘Tex’ Avery, ο οποίος προσλήφθηκε από τον Lantz, για να συνεργαστεί με τους Jack King και Friz Freleng. Το τρίο θα δημιουργούσε σύντομα μερικούς από τους πιο αγαπημένους χαρακτήρες κινουμένων σχεδίων όλων των εποχών. Δούλεψαν σε ένα ερειπωμένο κτήριο που ονομάζεται «Termite Terrace».
Οι Looney Tunes και Merrie Melodies δημιούργησαν κινούμενα σχέδια που μιμούταν ή αντέγραφαν άμεσα τον σημαντικό ανταγωνιστή τους, το Silly Symphonies της Disney.
Οι εμψυχωτές στα στούντιο της Warner Bros. άρχισαν να αμφισβητούν το στιλ, τη μορφή και το δημιουργικό περιεχόμενο των ποιμενικών κινούμενων σχεδίων της Disney στις αρχές της δεκαετίας του 1930 και μετά.
Τα κινούμενα σχέδια τους χαρακτηρίστηκαν ως πιο ισχίο, προσανατολισμένα σε ενήλικες και αστικά από τα συγκρίσιμα κινούμενα σχέδια Disney της ίδιας περιόδου. Ήρθαν επίσης με καινοτομίες στα κινούμενα σχέδια τους, όπως το πρώτο τους έγχρωμο κινούμενο σχέδιο Looney Tunes, μικρού μήκους «The Hep Cat» (1942).
Η τεχνική δύο χρωματικών διαφανιών (κόκκινο-πράσινο) του «Merry Melodies: I Haven’t Got a Hat» (1935), σε σκηνοθεσία του Isadore Freleng, παρουσίασε έναν αριθμό ανθρωπομορφικών ζώων, συμπεριλαμβανομένου του Beans the Cat και ενός δευτερεύοντος τραυλού χαρακτήρα γνωστού ως Porky Pig.
Από αυτό το σύντομο κινούμενο σχέδιο ξεκίνησε την καριέρα του ο Porky Pig. Ο Bob Clampett ασχολήθηκε επίσης με την ομάδα κινουμένων σχεδίων. Η πρώτη του πίστωση στην οθόνη ήταν για το «Shake Your Powder Puff» με σκηνοθεσία του Freleng (1934) και αυτό έπαιξε ρόλο στη δημιουργία και ανάπτυξη των χαρακτήρων κινουμένων σχεδίων του Porky Pig (και αργότερα του Bugs Bunny) .
Τα πρώτα κινούμενα σχέδια του Avery που δημιουργήθηκαν με τη μονάδα ‘Termite Terrace’ ήταν το «Gold Diggers» της σειράς Looney Tunes (1935) με τον Beans the Cat (στην τρίτη του εμφάνιση), και πρωταγωνιστή τον Porky Pig (επανασχεδιασμένος), στη δεύτερη εμφάνισή του. Καθώς η δημοτικότητά του μειώθηκε, το Beans the Cat αντικαταστάθηκε σταδιακά από τον Porky και εξαφανίστηκε εντελώς το 1936.
Το πρώτο κινούμενο σχέδιο της σειράς Porky Pigs ήταν το «Looney Tunes: ‘Plane Dippy» (1936), με ένα σύντομο τελικό καμέο από τους Beans. Το πολύ γνωστό χοιρινό με το όνομα Porky ξανασχεδιάστηκε από τον Avery στην τέταρτη σκηνοθετική του ταινία με τον Porky.
Τώρα ήταν φτιαγμένο να μοιάζει πιο πολύ με γελοιογραφία (μικρότερο και στρογγυλό). Η πρώτη εμφάνιση του Porky με τον Daffy Duck ήταν στο Porky’s Duck Hunt (1937), όταν ο Mel Blanc ανέλαβε τη φωνή του. Και ο Porky αντιμετώπισε για πρώτη φορά μια πρώτη έκδοση του Bugs Bunny στο Porky’s Hare Hunt (1938).
Ο κριτικός εγκάρδιος Pinocchio (1940) που κυκλοφόρησε στις 7 Φεβρουαρίου 1940 και βασίστηκε στον μύθο του Carlo Collodi το 1883 έκανε ρεκόρ 2,6 εκατομμυρίων δολαρίων και έγινε η ταινία με τα υψηλότερα κέρδη της χρονιάς. Η ταινία αυτή των κινουμένων σχεδίων της Disney κέρδισε επίσης δύο Όσκαρ, για το Καλύτερο Μουσικό Σκορ και το Καλύτερο Πρωτότυπο Τραγούδι (When You Wish Upon a Star).
Το καλοπροαίρετο αλλά άτακτο αγόρι συνοδεύτηκε από έναν έξυπνο αφηγητή που ονομάζεται Jiminy Cricket, ο οποίος χρησίμευσε ως συνείδηση του αγοριού (και ακούγεται σαν τον Benjamin Franklin). Για την δημιουργία αυτού του κινουμένου σχεδίου, χρησιμοποιήθηκε η τεχνική κάμερας πολλαπλών επιπέδων για να δημιουργηθεί ένα εκπληκτικό έγχρωμο κινούμενο σχέδιο.
Στην παραδοσιακή ιστορία της κινούμενης εικόνας, δημιουργήθηκε χειροκίνητη κινούμενη εικόνα με χρήση του Cel Animation. Το Cel ήταν ένα διαφανές φύλλο αποτελούμενο από νιτρική κυτταρίνη και καμφορά, που χρησιμοποιείται για τη δημιουργία χειροποίητων αντικειμένων.
Οι χαρακτήρες σχεδιάζονταν σε αυτά τα φύλλα και τοποθετούνταν σε κοινές εικόνες φόντου για να μειώσουν τον αριθμό των καρέ και τους χρόνους παραγωγής. To “Colonel Heeza Liar” (1914) ήταν η πρώτη σειρά κινουμένων σχεδίων που δημιουργήθηκε με τη χρήση αυτής της τεχνικής κινουμένων σχεδίων. Ο οίκος παραγωγής ήταν στούντιο John Bray.
Μια άλλη τεχνική κινουμένων σχεδίων που χρησιμοποιούταν συνήθως στην παραδοσιακή εποχή ήταν η «stop-motion». Αυτή είναι μια τεχνική δημιουργίας ταινιών κινουμένων σχεδίων κατά την οποία τα αντικείμενα μετακινούνται φυσικά σε πολύ μικροσκοπικές αποστάσεις και φωτογραφίζονται ύστερα από κάθε μετακίνηση, έτσι ώστε να φαίνεται ότι εμφανίζουν ανεξάρτητη κίνηση ή αλλαγή κατά την αναπαραγωγή της σειράς των καρέ-φωτογραφιών.
Οποιοδήποτε είδος αντικειμένου μπορεί επομένως να είναι κινούμενο, αν και φαίνεται να υπάρχει κάποια προτίμηση σε μαριονέτες με κινητές αρθρώσεις (κινούμενα σχέδια μαριονετών) ή φιγούρες πλαστελίνης (κινούμενα σχέδια αργίλου ή αργίλου). Η διακοπή κίνησης με ζωντανούς ηθοποιούς αναφέρεται συχνά ως pixilation. Η στάση κίνησης επίπεδων υλικών όπως χαρτί, υφάσματα ή φωτογραφίες ονομάζεται συνήθως κινούμενη εικόνα.
Παρόλο που οι πρώτες λίγες ταινίες κινουμένων σχεδίων με υπολογιστή ήταν πολύ απλοϊκές και ελαφρώς αντιαισθητικές, άλλαξαν ριζικά τον τρόπο εξέλιξης των κινουμένων σχεδίων.
Το Hummingbird (1967) ήταν η πρώτη ταινία κινουμένων σχεδίων που δημιουργήθηκε από υπολογιστή: δημιουργήθηκε χρησιμοποιώντας 30.000 εικόνες και 25 ακολουθίες κίνησης που δημιουργήθηκαν όλες από έναν υπολογιστή. Η κινούμενη εικόνα καρέ με καρέ 2D χαρακτήρων θα μπορούσε τώρα να γίνει εξ ολοκλήρου σε υπολογιστές.
Όχι μόνο έκανε τη διαδικασία λιγότερο επίπονη αλλά έδωσε στους γραφικούς καλλιτέχνες περισσότερο έλεγχο και τώρα ήταν σε θέση να παράγουν περιεχόμενο χωρίς τη χρήση ηθοποιών, ακριβά κομμάτια ή στηρίγματα. Μία από τις πρώτες 2D ταινίες κινουμένων σχεδίων στην ιστορία του 2D animation ήταν το Sword in The Stone, σε παραγωγή της Disney. Άλλες δημοφιλείς ταινίες Disney της εποχής περιλάμβαναν το Jungle Book, τη Mary Poppins και τo Aristocats.
Η τεχνική διακοπής κίνησης διαδέχθηκε αυτό που ονομάζουμε σήμερα ως κινούμενα σχέδια στον υπολογιστή. Η σύγχρονη κινούμενη εικόνα στον υπολογιστή περιλαμβάνει γραφικά 2D καθώς και τρισδιάστατα κινούμενα γραφικά που στη συνέχεια τίθενται σε κίνηση χρησιμοποιώντας τεχνική frame-by-frame ή rigging.
Η τεχνική εξασφάλισε ότι οι ταινίες δημιουργούνται και αποδίδονται γρηγορότερα, διασφαλίζοντας επίσης ότι το animation δεν χρησιμοποιήθηκε μόνο για την παραγωγή κινηματογραφικών και τηλεοπτικών σειρών, αλλά και για την αφήγηση ιστοριών και τις διαδικτυακές σειρές.
Το Computer-Generated-Imagery (CGI) είναι η εφαρμογή γραφικών υπολογιστών για τη δημιουργία ή τη συνεισφορά σε εικόνες σε έργα τέχνης, έντυπα μέσα, βιντεοπαιχνίδια, ταινίες, τηλεοπτικά προγράμματα, σορτς, διαφημίσεις, βίντεο και προσομοιωτές.
Οι εικόνες μπορεί να είναι δυναμικές ή στατικές και μπορεί να είναι δεύτερης διάστασης (2D), αν και ο όρος “CGI” χρησιμοποιείται πιο συχνά για να αναφέρεται στα τρισδιάστατα γραφικά υπολογιστών που χρησιμοποιούνται για τη δημιουργία χαρακτήρων, σκηνών και ειδικών εφέ σε ταινίες και τηλεόραση , το οποίο περιγράφεται ως «CGI animation».
Η εξέλιξη του CGI οδήγησε στην εμφάνιση της εικονικής κινηματογραφίας στη δεκαετία του 1990 όπου το όραμα της προσομοιωμένης κάμερας δεν περιορίζεται από τους νόμους της φυσικής.
Η διαθεσιμότητα λογισμικού CGI και οι αυξημένες ταχύτητες υπολογιστών επέτρεψαν σε μεμονωμένους καλλιτέχνες και μικρές εταιρείες να παράγουν ταινίες, παιχνίδια και έργα τέχνης επαγγελματικής ποιότητας από τους οικιακούς υπολογιστές τους.
Αλλά όπου οι υπολογιστές έχουν ωθήσει πραγματικά το φάκελο είναι με την ανάπτυξη τρισδιάστατων κινούμενων σχεδίων. 3D μοντέλα ή χαρακτήρες κατασκευάστηκαν στην οθόνη του υπολογιστή χρησιμοποιώντας γεωμετρικά σχήματα σε ένα σύστημα συντεταγμένων 3D.
Μόλις ολοκληρώθηκε ένας εικονικός σκελετός του χαρακτήρα, τα μάτια, τα άκρα και τα ρούχα μετακινήθηκαν στα πλαίσια και το κινούμενο σχέδιο αποδόθηκε. Μία από τις πρώτες ταινίες που παράγονται χρησιμοποιώντας 3D Animation Computer Graphics στην ιστορία του τρισδιάστατου animation ήταν οι The Adventures of Andre και Wally B από την Pixar.
Η Pixar παρουσίασε την πρωτοποριακή μορφή της, εξ ολοκλήρου από CGI, κινούμενη εικόνα με το Toy Story το 1995. Χρησιμοποιώντας ένα σύνθετο σύστημα άρθρωσης μοντέλου και κωδικοποίησης ελέγχου κίνησης, η Pixar μπόρεσε να δημιουργήσει χαρακτήρες με βάθος, γοητεία και προσωπικότητα.
Όλα κορυφώθηκαν με το αριστούργημα δύο δεκαετιών του James Cameron, το Avatar. Χρησιμοποίησε προηγμένες τεχνικές σύλληψης CGI και κίνησης, απαιτώντας 2.000 διακομιστές Hewlett-Packard, με 35.000 πυρήνες επεξεργαστή και 104 terabyte RAM, για την απόδοση της ταινίας.
Ενώ οι ταινίες κινουμένων σχεδίων γίνονται χρησιμοποιώντας υπολογιστές, η έλευση των τεχνολογιών του Διαδικτύου έκανε τη διαδικασία δημιουργίας 2D και 3D κινούμενων βίντεο απλούστερων και ταχύτερων.
Είναι πραγματικά συναρπαστικό αυτό το ταξίδι των κινουμένων σχεδίων. Τα καρτούνς φαίνονται να είναι το καταφύγιο όλων των τεχνών: της φωτογραφίας, της σχεδίασης, της ζωγραφικής, της υποκριτικής, της μουσικής κ.λπ.
Είναι επίσης το καταφύγιο μικρών και μεγάλων και είναι πανέμορφες όλες αυτές οι προσπάθειες των ανθρώπων για την γέννηση και την εξέλιξη της κινούμενης εικόνας.
Στο μέλλον αναμένονται περισσότερες εξελίξεις, οι οποίες αναπόφευκτα, θα λειτουργήσουν μονάχα θετικά: στην ενίσχυση της αισθητικής και στην ισχυροποίηση των μεθόδων και συνεπώς και ταχυτήτων παραγωγής.
Copyright © 2023. This site and its content was designed by Natalia Kokosi. All Rights Reserved.